La esquela de Fernando Fernández se publicó en La Vanguardia el día 11 de agosto de 2010. Fernández, dibujante destacado por su cómic de autor creativo para adultos, consagró la última parte de su vida, desde los años noventa en adelante, a la pintura figurativa, especialmente a los retratos. Nacido en Barcelona el 7 de febrero de 1940, Fernández participó en la renovación del cómic español junto a otros autores de su generación, como Enric Sió o Luis García, y sus obras saltaron las fronteras para publicarse tanto en Europa como en Estados Unidos y Latinoamérica. “No tenía un personaje clave, lo suyo no era la historieta tradicional”, ha comentado a EFE un hijo del ilustrador y pintor catalán, que ha destacado de entre su prolífica trayectoria la adaptación de “Drácula” de Bram Stoker que realizó en 1982, editada en España por Toutain en la revista Creepy. Reconocido tanto en España como a nivel internacional, Fernández ha publicado sus historietas en revistas como Vampirella y Eerie, ambas de la editorial Warren Publishing, y en el Diario de Barcelona pudo leerse su tira “La Mosca” entre 1970 y 1973. Sobresalió también en el campo de la ciencia ficción, con la serie Zora y los Hibernautas, que aparecía en la revista 1984, y con adaptaciones de relatos futuristas del escritor Isaac Asimov, entre muchos otros trabajos. Su gran época como ilustrador fue la década de los ochenta, de manera que en 1989, debido al declive de las revistas de cómic para adultos y a determinados problemas de salud, decidió abandonar la historieta para consagrarse a la pintura, y más en concreto, al retrato. Tras más de medio siglo dedicado al mundo de la historieta y a la pintura, Fernández falleció la pasada madrugada en la ciudad que le vio nacer hace 70 años.
- ¿Cómo surge la idea de elaborar un video desde el boceto hasta el acabado a color?
Es un proyecto de Laszlito Kovacs y Luis Mendo, llamado Draw Like a Monkey. Se basa en la idea de que hay algo mágico en ver aparecer un dibujo de la nada sobre el papel, algo que nos hipnotiza a todos, aficionados y no aficionados al dibujo. A varios dibujantes nos pidieron que nos grabásemos un video dibujando algo sencillo, y han montado una pequeña biblioteca de dibujos “in motion” en la web http://vimeo.com/dlamtv
Por otro lado, yo (y casi todos los dibujantes, supongo) soy muy aficionado a ver el proceso de trabajo de los demás autores, por eso me apeteció mucho participar en el proyecto.
- ¿Eres de los que necesita tener el dibujo a lápiz muy terminado o te gusta abocetar ligeramente para luego improvisar con la tinta?
Efectivamente, suelo necesitar el dibujo completamente definido a lápiz. Últimamente intento soltarme un poco y trato de dejar algo para dibujar directamente con la tinta y que resulte más espontánea. Tenerlo muy definido da seguridad a la hora de entintar, pero también hace que sea una fase mucho menos creativa y muchas veces acaba siendo un mero trámite. Considero que es una carencia de mi trabajo. Creo que soy pulcro y eficaz en mi entintado, pero sin aportar nada interesante al dibujo aparte de limpieza.
-Sé que utilizas indistintamente para pasar a tinta tanto el pincel como el rotulador fino, o la pluma.
¿Cómo ( o en función de qué) eliges que tipo de línea debe llevar según que trabajo?
Suele depender únicamente del tamaño de los trazos y la precisión. Como tengo inseguridad con ambas técnicas, utilizo cada una según me facilite la tarea.
Con una página de El Jueves, por ejemplo. Tamaño del papel: A3. Cada viñeta mide alrededor de 13×13 cm. Si meto un plano medio, puedo entintar todo con pincel, porque son líneas largas en las que puedo hacer un buen recorrido y jugar con el grosor de la tinta. Además, la precisión necesaria es menor. En cambio si es un plano general con muchos personajes, hay más detalle en menos espacio, muchas más líneas, así que tiro de plumilla, con la que controlo más la precisión, y es más fácil hacer curvas cerradas.
Así que cuando voy a entintar esa página, cojo la plumilla y entinto con ella todo lo que cumpla esas características (figuras pequeñas, ojos, botones, deditos…) y cuando he acabado me pongo con el pincel para el resto de la tinta.
Otras veces me gusta usar la plumilla de forma más sucia, como si fuera un bolígrafo, repasando líneas, manchando incluso, y en esos casos no se cumple lo anterior, sino que la uso en todo el proceso. Pero es sólo si busco ese acabado un poco más espontáneo que no siempre consigo.
-¿ Crees que cambia tu dibujo si sabes de antemano que técnica vas a utilizar para pasarlo a tinta?
En cuanto a elegir entre plumilla o pincel, no. Adapto el entintado al dibujo, no al revés.
No pienso “voy a entintar con pincel, así que dibujaré suaves líneas largas en las que cambiar de grosor”, sino que si he dibujado líneas largas, decido que van a quedar mejor entintadas con pincel.
Sí que cambio el dibujo si voy a usar otras técnicas. Por ejemplo, si voy a colorear el dibujo digitalmente eliminando la línea, sí que hago el dibujo de forma que la silueta esté más definida, que no haya muchas superposiciones de elementos con el mismo color, y cosas así.
Otro caso, si voy muy pillado de tiempo y tengo que colorear rápido, prefiero entintar con pincel porque cierro mejor las áreas y después puedo acelerar la siguiente fase.
Pero, vamos, no es tanto el entintado lo que me condiciona el dibujo, sino el resultado final al que quiero llegar, que, como suelo trabajar principalmente a color, no suele ser el entintado.
-¿Eres maniático con los materiales, te gusta utilizar siempre algún tipo especial de pincel
o de rotulador, o no tienes ( como muchos dibujantes) unas “herramientas sagradas”?
Soy muy maniático de probar materiales, como si encontrar “el adecuado” fuera a hacerme dibujar mejor. Me divierte entrar en las tiendas y buscar cosas nuevas.
Para pincel sí que estoy muy cómodo con el que suelo usar (Winsor&Newton Designers’ Sable Series 3A nº 2), que es el que uso en el video. Me lo pasó hace años Pablo Velarde y me he adaptado a él, así que ya he dejado de buscar alternativas. Compré un montón y tiro de ahí.
Plumillas sí que suelo comprar siempre que veo una papelería en la que vendan, porque aún no he encontrado ninguna con la que esté cómodo. La que más me gusta es (Hiro Leonardt 801), y tengo varias de éstas.
Vamos, que soy moderadamente maniático. Conforme voy teniendo más confianza, voy perdiendo manías.
- ¿Color digital, color manual, o ambos? Esencialmente digital. Desde hace bastantes años, todos los trabajos profesionales los coloreo en digital, porque es mucho más práctico a la hora de enviar a los clientes, corregir…
Me sigue gustando trabajar en “analógico” de vez en cuando. Me da la impresión de que es algo bastante común entre los dibujantes, que echamos de menos la emoción de trabajar sin Ctrl+Z, y con el concurso del azar.
- ¿En que proyecto andas metido ahora y que técnica estás ultilizando para ello?
Continúo con un proyecto que se me está haciendo más largo de lo esperado, un álbum de 120 páginas para el mercado francés. En este caso, trabajo con lápiz azul y “entinto” con grafito, que después quemo antes de colorear. Pensé que para ese mercado, el entintado limpio del pincel no encajaba demasiado, probé con plumilla y no la dominaba lo suficiente, así que me decidí por este proceso.
En muchos trabajos de ilustración estoy utilizando lápiz para entintar, la mayoría de las veces eliminando después la línea (o coloreándola) consiguiendo bordes irregulares que le añaden calidez a la imagen, alejándola un poco del trabajo vectorial, que se me hace más frío.
Y después un montón de proyectos todavía demasiado verdes como para pensar en qué tipo de entintado van a llevar.
El pasado Jueves 22 de Mayo tuvimos a Jesús Zulet de ‘conferenciantertuliano’ para APIM en la maravillosa Biblioteca Nacional. Un ilustrador de amplia experiencia en el sector de la prensa. Un señor muy alto, con chapela y buen humor que comenzó diciendo: “¡Señores, se puede vivir de esto!” , hasta he conocido un ¡dibujante funcionario!, ya que los periódicos anteriormente eran estatales.El Sr. Zulet, como nadie le presentó formalmente, pues se puso a presentarse él mismo al resto de tertulianos que conocía. Dejó claro que no iba a hablar de su obra y entre humor y anécdotas habló de lo más oscuro de la prensa nacional y su poca relación con los derechos de autor.
Incidió en que la Prensa basa el 70 % de su coste de producción en la publicidad de todo tipo y el 30 % por el precio de venta al público, hasta el punto de que los empresarios que publicitan tienen mano sobre lo que se escribe y lo que no dentro de las publicaciones periódicas, incluso crean sus propios publirreportajes.
En los años 90 hay un crecimiento importante de la prensa escrita, se crean nuevos equipos de arte e infografía , creciendo la calidad gráfica e informativa de ésta. Cada vez, más empresas dedicadas a la información forman enormes grupos empresariales, unidos por intereses e influyendo así en la cultura, la educación, la economía, etc… Estos grupos de poder también compraron cadenas de televisión, de manera que, cada vez más, subsisten de la publicidad comercial y no del volumen de ventas ni de la calidad de los productos.
Cuando comienza la crisis, comienzan los contratos basura, los becarios e incluso han creado dentro del modelo educativo selectivo, de quien se lo pueden permitir, los Masteres en prensa, así los estudiantes con carrera trabajan para ellos, además de pagarles grandes cantidades de dinero. Dice: - No os extrañéis si no os invitan a sus oficinas como harían en una editorial normal, es sólo porque saben que si vais como colaboradores con un inspector de trabajo, la ley les obliga a meteros en plantilla.
Zulet recuerda que los textos en prensa por su devenir histórico y cualidad informativa no tienen derechos de autor, que es de lo que en su mayor parte se forman las publicaciones de prensa, demostrando así que las empresas que se ocupan no están, ni quieren estar acostumbradas a este percance empresarial que les incomoda como es el “derecho de autor”. También recalca que la ley en derechos de autor es antigua y no recoge debidamente la difusión en las nuevas tecnologías audiovisuales.
Por último, habló de VEGAP, de la mala fama que se les ha dado a este tipo de entidades de gestión (como a SGAE). Comenta que las grandes empresas que crean aparatos de almacenamiento de información, se niegan a pagar los cánones que por ley deben abonar a las entidades de gestión , derivando estos cánones a los consumidores, y poniéndoles en contra de los autores de las obras a los cuales estas entidades protegen.
En este punto empieza un debate candente sobre como funcionan este tipo de entidades de gestión “sin ánimo de lucro”, de si VEGAP está cambiando su política con contratos a medida y recaudación para autores no socios, de la piratería en internet, de la utilización indebida de nuestras ilustraciones o si el sistema capitalista de propiedad y consumo se encuentra en crisis por enfrentarse a la libertad de internet donde todo puede ser de todos,… pero este debate sólo se puede resolver, claro está, amigablemente en un bar cercano, cercano como fueron y se encontraron nuestros tertulianos.
PERIODISMO Y DERECHOS DE AUTOR: EVOLUCIÓN HISTÓRICA DE LA PROTECCIÓN JURÍDICA SOBRE LA OBRA INFORMATIVA . Javier Díaz Noci
Profesor Titular en la Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación, Universidad del País Vasco.
(…)De forma paralela, los periodistas van comprendiendo la necesidad de incorporarse como autores que son a la protección de la obra intelectual. Profesionales liberales pero precarios, con muy escasa tradición asociativa, más adelante asalariados, la especifidad de su obra encuentra reflejo, a partir de la segunda mitad del siglo XIX, (…) http://www.ehu.es/zer/zer7/noci74.html
APIM aprovecha la oportunidad de estar en la conferencia de Andrés Rábago García “ El Roto”- “ La sátira, un lenguaje de nuestro tiempo” ,para compartirlo entre profesionales. (Ciclo de conferencias. Los retos del s.XXI: otro mundo es necesario. III Edición.)
Como en la pintura, hay que alejarse del lienzo para verlo en su conjunto, para llegar a ver otra realidad o solamente otro punto de vista que esclarezca tanta información. Andrés Rábago García “ El Roto”,OPS, Ubú, Jonás o sólo Rábago, al parecer ha tenido tantos pseudónimos como puntos de vista; desde cuasi-monocromático como “El Roto” a hiper-colorista como Rábago. Para nuestra sorpresa, se define como una persona conservadora ; suponemos que por tener el pelo blanco, por ser educado, por guardar las formas y respetar los puntos de vista de sus de sus personajes, intentar cuidar al lector aún con un mensaje mordaz como el de “El Roto” y sobretodo, por utilizar un lenguaje tan antiguo como la sátira.
El Sr. Ángel González García; escritor, crítico, historiador de arte y amigo del Sr. Rábago modera la conferencia y le presenta, se ha preparado cuatro folios que lee minuciosamente. Tacha de oportunistas e informadores interesados a todos los medios de comunicación y a los humoristas en prensa, para contrarrestar su admiración por el trabajo libre y sincero para con nuestra sociedad de “El Roto”. Además de compararle con Goya, Daumier,… palabras que Andrés Rábago esquivará con sorprendente modestia para hablar como artesano ordenado, comenzando a enumerar después los aspectos técnicos de su labor como “el Roto” de una forma práctica y estudiada.
Los asistentes, entre risas por el sarcasmo peculiar de estos dos canosos singulares (de una rebeldía que parece más de Mayo del 68 que de la monotonía espiritual que vivimos ahora), seguimos boquiabiertos de tanta información interesante. Aunque a veces no distinguíamos entre la realidad y la ironía. Habrá que salirse de la realidad para observarla con más cordura.
Intentaré enumerar de memoria las ideas básicas de este apartado, más algunas frases que apunté:
-La viñeta: Se encuentra en un lugar privilegiado en la sección de opinión del periódico./ Es un“Agujero”, donde lo primero, sería llamar la atención del lector, para que se pare y lo lea.
-Herramientas: Cualquiera es válida; contra más sencilla mejor. /Unos rotuladores , lápices de colores y unas cartulinas normales sirven, algo con lo que te sientas cómodo. / Un ordenador es demasiado complicado para mi.
-Colores: Creo que en un ordenador hay miles de colores, pero no sé para que sirven tantos, te puedes apañar solo con uno./ Utilizo mayoritariamente el negro pero “me gusta pintar algún detalle de otro color”
-Composición: Intento variar la composición para no cansar al lector./ Normalmente no dibujo escenario, si no lo requiere la idea principal, o quizás sólo dibujo el escenario.
-Personajes: Alguien cualquiera, normalmente de espaldas. Me gusta dibujar caras, pero son curiosos los ríos que hablan, los edificios, los animales que dan su opinión.
-Texto: No escribir mucho, lo justo para que el lector no le de pereza leerlo en un periódico. Ocho palabras están bien./ Intento evitar los eslogan. / Creo que soy ágrafo porque no soy capaz de escribir mucho.
-Forma: La sátira juega con elementos icónicos, símbolos atemporales que no tengan que ver con las ‘noticias importantes de la semana’ aunque puedan acercarse.
“ Valles y ríos , que gran enclave para un desastre”.
También se debe ser muy educado cuando uno insulta.
-Ideas: Por ejemplo, jugar con las contradicciones, es divertido y al leerlas te hacen pensar: “El altruismo también es un negocio”, “Que claridad de confusión”, “Llorar despacio es reír”, “ los médicos lo están consiguiendo, tiene muchos enfermos”/ Antes de empezar, me pregunto todos los días que es lo que quiere ser dicho.
-Publicación: Voy creando viñetas y luego, entre las que tengo, elijo la que voy a publicar. / Hay que medir la “temperatura del ambiente” para saber que tipo de mensaje hay que publicar cada día. / No publico mensajes muy fuertes de seguido, para no saturar, “El tono alto de voz no se puede mantener constantemente, produce sordera” / Yo soy optimista, pienso que cuando la viñeta se publica el problema que cuenta se soluciona, y al día siguiente puedo crear nuevas viñetas.
“Los excedentes de la tercera edad, aumentará la longevidad del tercer mundo”
“El Roto” dice ser ágrafo trabajando en un periódico; dice no implicarse en los problemas y llevar una vida sencilla. Opina en uno de los periódicos de más tirada del país; enumera como realiza su trabajo para que veamos que es algo sencillo que cualquiera puede hacer con una cartulina y un rotulador corrientes. Dice ser optimista y a la vez parece sincero … Supongo que todas estas cualidades le separan suficientemente del lienzo para ver el mundo y al ser humano con suficiente perspectiva.
Aqui tenéis una interesante entrevista con el dibujante británico Ronald Searle, con motivo de su noventa cumpleaños. Searle, nacido en Cambrigde en 1920 es uno de los más conocidos e influyentes dibujantes ingleses del siglo pasado. Sus trabajos en la revista satírica “Punch”, para el periódico “Sunday Express” o para la revista “New Yorker” le han labrado una merecida fama entre los lectores y ha creado una inmensa lista de imitadores y discípulos. Ilustrador de libros, creó las famosas tiras de las alumnas de “St. Trinians´s School” de las cuales se han publicados varios libros e incluso se ha hecho una película sobre sus andanzas.
The Horrors es un grupo británico de garage rock con tendencia a las atmósferas góticas y angustiosas.
Preocupados por la estética, The Horrors saben poner su mejor perfil y torcer un poquito la pierna en el momento de la foto. Actitud que se agradece pues les ha llevado a facturar videos muy cuidados.
Para éste que os presentamos, han contado con la colaboración del realizador Corin Ardy, otro joven que triunfa y que ya ha trabajado para grupos como Prodigy o Black River.
Sobre el ilustrador, decir que tras buscar fallidamente alguna mención, uno llega a pensar que los dibujos también corren a cargo de Corin. Y sólo rascando en google -fotos, aparece un tal David Lupton, que pasaba por ahí, posando delante de un panel con fotos del video. Un personaje al que cuesta llegar porque deja pocas pistas y porque su labor queda eclipsada por la del realizador. ¿Os suena de algo?
Pasaros por la webo el blogde Lupton y podréis conocer más de su obra.
Os dejamos con este contundente video de The Horrors, realizado por Corin Ardy y dibujado por un oculto David Lupton, otro más atrapado en la telaraña de la melancolía y lo macabro..
La Revista “ARTE FACTO” llega a su número 27. Editada por el humorista gráfico peruano Omar Zevalos y con la ayuda de colaboradores de su país, así como argentinos y españoles es un interesante proyecto que nos ofrece un vistazo al trabajo de ilustradores e historietistas de todo el mundo. En su web puedes encontrar todos los números de la revista y descargártelos en formato PDF.
El “Norman Rockwell Museum” ha creado una página en “Youtube” dedicada al conocido ilustrador americano. En ella podréis encontrar interesantes y poco conocidos vídeos del ilustrador, como los curiosísimos “Around the world with Norman Rockwell” en el que el vemos a Rockwell viajar por países de todo el mundo tomando apuntes para futuras ilustraciones, documentales sobre su trabajo o videos sobre el funcionamiento del museo y reportajes sobre otros ilustradores que reconocen su influencia.
Norman Rockwell (Stockbridge, N.Y. 1894/1978) Inició su andadura profesional muy joven, colaborando con infinidad de revistas, asi como en trabajos publicitarios, pero fueron sus portadas en la revista “Saturday Evening Post”( realizadas desde el año 1916 hasta 1963) así como sus numerosos retratos tanto de figuras conocidas de su pais como de momentos clave de su historia, lo que le ha convertido en uno de los ilustradores norteamericano más conocidos, formando su trabajo parte ya de la imaginería colectiva de los Estados Unidos.
Os presentamos en esta nueva entrada la web de la ADA [Asociación de Dibujantes de Argentina]. En ella podréis encontrar un completo listado de ilustradores, galería, noticias, un foro y además, un montón de números de la estupenda revista virtual “sacapuntas” que aquí os podéis descargar en formato pdf.
El último número de la revista “sacapuntas” es una larga e interesante entrevista con el dibujante argentino José Muñoz. Nacido en Buenos Aires en 1942, Muñoz es uno de los dibujantes argentinos más conocidos y de trayectoria más longeva e interesante. Discípulo de Alberto Breccia, con el que estudió en la “Escuela Panamericana de Arte”, el estilo expresionista de su trabajo ha sido reconocida influencia de buena parte de los historietistas de todo el mundo, desde Dave Mc kean a Frank Miller. Desde muy pronto formó equipo junto al guionista Carlos Sampayo, con el que ha publicado la gran mayoría de sus álbumes, siendo las aventuras del detective “Alack Sinner” su obra más conocida. Muñoz fué galardonado el año 2007 con el gran premio del festival de “Angouleme”.
Un Superman colgado de un puente nos da la bienvenida cuando llegamos a La Coruña. Más adelante, otros personajes indican dónde está ubicado el festival: Spiderman encaramado a una columna, Mortadelo y Filemón, Martínez el facha, Lucky Luke y un sin fin de figuras en calles, templetes y puertas de los edificios donde se encuentran las exposiciones.
Lamentablemente sólo pude asistir una tarde al festival. Llegué a eso de las dos, hora en la que cierran para hacer un largo descanso hasta las seis. Y cierran todo, casetas y exposiciones, y uno se queda como en un limbo, esperando que llegue la hora de apertura. Quizá sea ésta la única pega que se le puede poner a este festival de la historieta, pega para mis circustancias, que no para quienes saturados por el stand, tienen oportunidad de descansar o pasear por esta bella ciudad.
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Las exposiciones están cerca unas de otras y los stands, se encuentran ubicados entorno a un parque bullicioso y adjuntos a otras ferias, de gastronomía, artesanía y libros antiguos.
Todo cerquita y gratis. Y esto, es lo mejor que tiene Viñetas desde ó Atlántico, una ubicación céntrica y un acceso gratuito que hace que el comic deje ese gueto que se le suele asignar en otras ciudades. Aquí, cualquiera puede acceder a las salas de exposiciones de forma gratuita, los interesados en el medio y los que, estando de paso, deciden entrar a contemplar originales de decenas de autores.
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Yo sólo pude asistir a dos, con obras de Posy Simmonds, Giardino, Enrique Vegas, Alex Cal, Juillard yPasqual Ferry entre otros. Más adelante, en otra visita a la ciudad, pude seguir disfrutando de ellas cuando el festival ya se había clausurado. Y es que las exposiciones no se desmontan cuando se acaba el evento, se prolongan a lo largo del mes para que puedan seguir siendo visitadas. Figúrense qué absurdo montar una expo, con el trabajo que conlleva, para cuatro días después desmontarlas porque se cierra el chiringuito. Esta es otra razón que hace de Viñetas desde o Atlántico un festival diferente.
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Y si esto fuera poco, oí decir en una entrevista en la radio a uno de los organizadores que están contemplando la posibilidad de hacer otro festival, más pequeñito, entre medias de éste para dar la oportunidad a escolares de hacer visitas organizadas y ofrecer la posibilidad de asistir a aquellos habitantes que abandonan la ciudad para disfrutar de sus vacaciones. Qué gran idea.
Viñetas desde o Atlántico no es un mercado, es un encuentro con el comic a través de stands, expos, encuentros con autores, firmas, conferencias y otras actividades. En definitiva, cultura al alcance de todos.
Si aún no te has pasado por este festival, prueba el año que viene, te sorprenderá gratamente.
Hoy comenzamos “otra nueva sección” queprotagonizarán todos aquellos socios y socias de Apim que deseen compartir sus experiencias en “El Ojo Avizor”.
Las primeras “[Ojeadas]:” son una crónica en primera persona de nuestra compañera “Aurora Losada” en el pasado Salón del Cómic de BCN. Gracias por tu colaboración y, desde aquí, os animamos a todos/as a que participéis en esta iniciativa.
Sr@vizor
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Sólo pude visitar la feria el último día, el lunes. Que lástima. El último Salón que vi fue hace tres años y en mi opinión se ha superado. Más superficie, exposiciones, actividades… y poco tiempo.
Me dirigí a curiosear a la “Zona profesional de entrevistas concertadas con editores” y la encontré totalmente desierta. Un montón de puertas con nombres de editores cual estrellas en su camerino pero ningún colega paseando carpetas. Mas tarde volví y encontré a una persona de Ficomic que fue tan amable de explicarme lo que aquí os detallo. Apuntad:
Las entrevistas sólo duran tres días, por eso ya no quedaba nadie. Para conseguir una hay que escribir a entrevistas@ficomic.com enviando un currículum, formas de contacto y muestra de trabajos. Que no pesen mucho los adjuntos; jpgs ligeritos a poder ser. A lo largo del año se recibirá una carta con la información de los editores que van a venir. Hay que contestar al momento, por email inclusive si así fuese más rápido; el que llegue tarde no tiene hueco. Este año “solo” han hecho 305 entrevistas, me comentó el hombre. En esta ocasión han venido editores de Vértigo, Marvel, DC, Dargaud y Depuis. Los consejos que me han dado es que los americanos prefieren ver “muestras de dibujo”, “diseños de personajes”, vamos.. cosas “sueltas”. Y que los franceses prefieren ver “proyectos”, algo “cerrado”. Eso sí, todos con su explicación en inglés o francés según corresponda, of course. También han llegado a atender a gente sin cita previa, es cuestión de pillarles libres y con humor.
En las zonas de ventas, entre los stand, estaban nuestros colegas de la APIC repartiendo folletos y tomando datos de gente interesada por el proyecto. También los de la AACE tenían su pequeño stand.
Pude contar cinco stand de escuelas: Fem Art, Fx Animation Barcelona 3D school, Llotja, instituto de Estudios Baleares y cómo no, la Escola Joso, con sus talleres de dibujo, charlas y una actividad que era… no sé como describirlo… un “combate de ilustración”. Dos pantallas grandes, dos Mac con Photoshop, dos tabletas Wacom, dos rivales y un único dibujo de muestra a reinterpretar. A parte tenían un aula donde de forma constante daban iniciación y técnica del aerógrafo. Allí había muestras en distintos soportes: sobre lienzo, camisetas, gorras, cascos, portátiles, Psp, Ipod, etc.
Las exposiciones, como siempre, fueron numerosas y bien presentadas. En esta ocasión, en vez de juntas, distribuidas por la feria. El famosísimo Jim Lee, Alex Raymond (Flash Gordon) con originales de gran tamaño y al fin sin censura, Pasqual Ferry, Carlos Areces (Carlös), Cálico Electrónico, Cels, “Fútbol en Viñetas” volcado al Barsa (parecía que sabían que se llevaban el triplete dos días antes), “Batman en Barcelona”, “Fancine Enfermo”, Purita Campos (Esther), Roger Ibánez (Roger and Raule), S Gipi, “Super Obama”, Victoria Francés, una expo de concursos, otra del Injuve, una sobre autores gallegos y la que a mi más me gustó: la de Paco Roca, con las tres fases de cada dibujo y numerosos comentarios del autor. Bastantes autores impartieron clases magistrales, incluidos Mike Mignola y Ken Nimura, socio de la Apim.
Curioso un stand de la Oficina de Turismo de Bélgica para promocionar el 2009 como su año dedicado al cómic con fotos de gran formato de Bruselas y Valonia tomadas por cinco fotógrafos españoles sobre motivos “comiqueros” de las ciudades. También dos stand para promocionar los autores de Murcia y las editoriales de las Islas Baleares.
No tuve tiempo para la Sala de Actos lamentablemente. Allí hicieron presentaciones de novedades, conferencias, mesas redondas y encuentros con autores. En la Filmoteca de Cataluña se emitieron películas basadas en cómics.
Ah!, el espacio de actividades dedicado a los pequeños estuvo muy bien, no había forma de sacar a mi niño…
Abrimos nueva sección en El Ojo dedicada a esos proyectos musicales que se sirven del trabajo de ilustradores para realizar sus video-clips, y lo hacemos con Joann Sfar
Sfar ha firmado dos videos musicales, en los que destaca el buen hacer del equipo de animación que ha conseguido llevar el espíritu del ilustrador de una manera impecable al soporte animado. Se trata de “Kerascoët” (Marie Pommepuy & Sébastien Cosset).
El gran reto para un animador a la hora de trasladar el estilo de un ilustrador a la animación, consiste básicamente en que ese estilo no se quede perdido en el camino y en consecuencia, el propio ilustrador. Para ello, es importante no sólo que el estilo se reconozca, sino que los personajes se deben mover tal y como lo haría el autor, o como el lector, de manera incosciente, lo imagina.
Tratándose en este caso de un autor de comic, es decir, secuencial, resulta aún más complejo conseguir un ritmo en consonancia con el del autor. Para ello, Sfar hizo en su día unas notas para el equipo que iba a trabajar sobre el proyecto de Petit Vampir, y lo hizo, cómo no, con un comic y bastante sentido del humor.
A continuación os mostramos dos videoclips que hizo para el grupo Dionyos y para Thomas Fersen. Ambos son pequeñas historias, aunque en el caso del segundo, se trata casi de un corto de animación que se apoya en una canción. ¡Bravo por Sfar y por Kerascoët!
Abrid bien los ojos y las orejas para disfrutar de estas dos joyas.
¡Nos vemos en la siguiente entrega!
Este año, la “Feria del Libro de Madrid” nos da la oportunidad de contemplar la obra original de Jean Jacques Sempé (Burdeos 1932)
Una estupenda exposición de originales del genial ilustrador francés, más conocido en casi todo el mundo por ser el creador gráfico del “Pequeño Nicolás” (la serie de libros que ilustró con textos de René Goscinny) que por sus portadas para “The New Yorker” o sus libros de humor gráfico.
En esta muestra, podremos ver algunos de estos trabajos y disfrutar además de sus maravillosas acuarelas y dibujos con su genial sentido del humor y su fina ironía universal.
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Feria del libro de Madrid [Stand de la Comunidad de Madrid] del 29 de Mayo al 14 de Junio.
Cuando Sr@vizor era peque, recuerda que salía en aquel programa televisivo, “Sabadabadá”, un señor llamado José Ramón Sánchez, que mostraba ante la cámara cómo hacía un dibujo mientras explicaba algo sobre el mismo. Su trazo y su voz, resultaban tan relajantes como lo es ahora el hombre de Bricomanía. La chavalería se quedaba pasmada, y algunos especulaban sobre la inmediatez del trazo, que si eso ya estaba marcado con lápiz finito y tal… cosas de chavales.
Desde entonces, se podría contar con los dedos de una mano las veces que se ha vuelto a ver a alguien dibujar en la tele.
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Televisió de Catalunya, nos ofrece hoy, la oportunidad de ver a un gran número de ilustradores en acción, contando cuentos de manera sincronizada con una acertada voz en off. Cuentos donde se combina la literatura oral y escrita con la ilustración, las artes pláticas y la música.
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Una mà de contes pone a tu disposición un centenar de cuentos provenientes de las tradiciones culturales más diversas para manos diferentes, cada una con sus tics y sus dudas en forma de amago.
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No perdáis la oportunidad de verlo en compañía de un niño.
Viajar es un placer, y no está nada mal hacerlo con excusas profesionales. Es estupendo encontrarse con dibujantes en ferias y exposiciones, y cuánto mejor si éstas se celebran lejos de casa. Sirve de refresco y uno vuelve con las pilas cargadas de nueva energía creativa, a menudo por contagio.
El cuaderno de viajes, que en España apenas se publica, en Francia es un género muy apreciado. Resulta impresionante que exista una bienal dedicada al tema y que ya haya alcanzado su novena edición, algo que sería impensable por aquí. Organizada por la IFAV, la 9e Biennale du Carnet de voyage, celebrada en Clermont-Ferrand (Francia) del 14 al 16 de noviembre de 2008, fue una ocasión impagable para ver de cerca lo que dibujantes de todo el mundo guardan en sus libretas cuando viajan, con toda la variedad de estilos y temas posibles: desde apuntes sueltos y espontáneos hasta acuarelas reposadas, retratando modelos de todos los colores imaginables, de países lejanos o cercanos, en ciudades pobladas o paisajes deshabitados.
España ha sido en esta ocasión país invitado, por lo que tuvimos una sección especial en la planta superior de las tres que ocupaba la bienal en el Polidome de Clermont. Allí expusimos nuestros dibujos Toño, Enrique Flores, Joaquín González Dorao, Miguel Herranz, Antón Hurtado, Puño, Leticia Ruifernández, Antonia Santolaya, Emily Nudd-Mitchell (ya medio española) y yo. Durante los cerca de cuatro días que duró aquello, pudimos charlar, beber, comer, reír, jugar y dibujar hasta en los manteles. Y pasear por Clermont, una bonita ciudad francesa acostumbrada a todo tipo de festivales.
También tuvimos ocasión de llevar ejemplares de nuestras publicaciones, que se vendieron muy bien, gracias a la gran cantidad de público interesado y a pesar de estar en un rincón algo escondido, frente a la librería oficial.
En la web de la bienal invitan a participar en la próxima edición y explican cómo hacerlo; que no lo dude todo aquél que acostumbre a dibujar durante sus viajes, seguro que será una gran experiencia. En los blogs de los asistentes a la pasada edición (clic en los enlaces de arriba) hay opiniones y comentarios de primera mano, y también encontraréis referencias de dibujantes de otros países, como Lapin, Aneta Skornicka y otros; muchos y muy interesantes.
La esquela de Fernando Fernández se publicó en La Vanguardia el día 11 de agosto de 2010. Fernández, dibujante destacado por su cómic de autor creativo para adultos, consagró la última parte de su vida, desde los años noventa en adelante, a la pintura figurativa, especialmente a los retratos. Nacido en Barcelona el 7 de febrero de 1940, Fernández participó en la renovación del cómic español junto a otros autores de su generación, como Enric Sió o Luis García, y sus obras saltaron las fronteras para publicarse tanto en Europa como en Estados Unidos y Latinoamérica. “No tenía un personaje clave, lo suyo no era la historieta tradicional”, ha comentado a EFE un hijo del ilustrador y pintor catalán, que ha destacado de entre su prolífica trayectoria la adaptación de “Drácula” de Bram Stoker que realizó en 1982, editada en España por Toutain en la revista Creepy. Reconocido tanto en España como a nivel internacional, Fernández ha publicado sus historietas en revistas como Vampirella y Eerie, ambas de la editorial Warren Publishing, y en el Diario de Barcelona pudo leerse su tira “La Mosca” entre 1970 y 1973. Sobresalió también en el campo de la ciencia ficción, con la serie Zora y los Hibernautas, que aparecía en la revista 1984, y con adaptaciones de relatos futuristas del escritor Isaac Asimov, entre muchos otros trabajos. Su gran época como ilustrador fue la década de los ochenta, de manera que en 1989, debido al declive de las revistas de cómic para adultos y a determinados problemas de salud, decidió abandonar la historieta para consagrarse a la pintura, y más en concreto, al retrato. Tras más de medio siglo dedicado al mundo de la historieta y a la pintura, Fernández falleció la pasada madrugada en la ciudad que le vio nacer hace 70 años.
El Sr. Zulet, como nadie le presentó formalmente, pues se puso a presentarse él mismo al resto de tertulianos que conocía. Dejó claro que no iba a hablar de su obra y entre humor y anécdotas habló de lo más oscuro de la prensa nacional y su poca relación con los derechos de autor.
El “Norman Rockwell Museum” ha creado una página en “
Sr@vizor eres tú